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Tout sur l’assurance pour instrument de musique

En tant que musicien, votre instrument de musique vous accompagne tous les jours. Comme tout accessoire faisant partie de notre vie, et de notre quotidien, plusieurs risques peuvent endommager les instruments de musique. Parmi les risques les plus fréquents se trouve le choc, la chute et le vol. De ce fait, il est important, voire indispensable d’assurer son instrument de musique. Mais, quels sont les avantages offerts par une assurance d’instrument de musique ? Qui peut souscrire à une assurance instrument de musique ? Quels sont les différents types d’instruments de musique pouvant être assurés via cette assurance ? Focus sur l’assurance instrument musique !

Pourquoi souscrire à une assurance instrument musique ?

L’assurance d’un instrument de musique permet aux musiciens de sécuriser son petit trésor durant son utilisation, et son dédommagement. Il est important de souligner que le prix d’indemnisation d’un instrument de musique est assez cher. De ce fait, en cas de malheur, notamment de vol, choc, sinistre, casse, vous n’allez plus perdre votre instrument de musique. En fonction du type de contrat signé, l’assureur vous remboursera la valeur à neuf de l’instrument de musique.

Les instruments de musique font partie des objets les plus onéreux dont la réparation est très onéreuse également. De plus, la réparation d’un instrument de musique prend beaucoup de temps. En effet, les pièces d’un instrument de musique sont assez spécifiques, et exigent une livraison, et parfois une conception spéciale. Grâce à l’assurance pour instrument de musique, tous ces frais sont pris en charge par l’assureur. De plus, certains assureurs vous prêtent un instrument de musique durant la durée de réparation.

À qui l’assurance pour instrument de musique s’adresse-t-elle ?

L’assurance instrument de musique s’adresse à toutes les personnes possédant un instrument de musique, aussi bien les professionnels que les amateurs. De ce fait, elle est faite pour toutes les personnes qui emploient un instrument de musique pour le plaisir, loisir ou dans le cadre d’une profession : professeurs de musique, luthiers, collectionneurs, etc. De plus, pour louer un instrument de musique dans un magasin de musique, ce dernier vous demandera une attestation d’assurance. Par ailleurs, un conservatoire exige également l’attestation d’assurance.

Les instruments de musique garantis par l’assurance

Les instruments de musique assumés par l’assurance changent en fonction des offres. Toutefois, dans la plupart des cas, les instruments de musique assurés sont l’orgue, accordéon, trompette, flute, apprendre à jouer du piano, guitare, banjo, triangle, grosse caisse. Par ailleurs, les instruments électroniques et électriques sont également assurés. Notez bien que le coût de l’assurance dépend du prix et de la fragilité de l’instrument de musique. De ce fait, avant de sélectionner l’assurance pour votre instrument de musique, il faut d’abord connaître les différentes offres proposées par l’assureur. De plus, il faut également connaître les conditions de l’assurance. Si vous êtes à la recherche d’une assurance instrument de musique, pourquoi ne pas confier votre instrument de musique à un assureur en ligne ? cliquez-ici

musique

Comment apprendre la musique ?

Discipline artistique à part entière, la musique peut revêtir une fonction ludique, mais elle peut devenir un métier, une passion, et parfois une raison de vivre. La musique peut être perçue de deux manières différentes. Elle est appréciée physiquement, c’est-à-dire par l’écoute. Vu le nombre des instruments et les différentes possibilités de combinaisons musicales, cette appréciation peut varier d’une personne à l’autre. A chacun son style musical préféré. Dans le second cas, c’est jouer de la musique qui procure du plaisir. Etre à l’origine de la musique peut faire naitre chez les musiciens un sentiment qui va au-delà du sentiment et du réel. Tout le monde un jour s’est posé la question : mais comment il fait ? On est tenté de s’essayer à la guitare, au piano ou à un tout autre instrument mais ne peut cependant pas y arriver. Voyons alors ce qu’il faut pour devenir musicien et comment apprendre la musique.

La musique est un art

L’exploitation du son est la base de la musique. Cette exploitation demande de la sensibilité. L’apprentissage de la musique est accessible à tout le monde même si les capacités ne sont pas semblables. En effet, la sensibilité nécessaire n’est jamais au même niveau même auprès de deux individus identiques. La musique peut être innée chez certaines personnes alors que d’autres personnes devront faire preuve de persévérance et de beaucoup de travail pour en faire l’acquisition.

Il est cependant utile de préciser que la musique n’a rien d’inaccessible. Comme toute discipline artistique, elle demande du travail, de la bonne volonté, de l’amour et parfois même des abnégations.

Apprentissage de la musique

L’apprentissage de la musique peut se faire à tous les âges. Un âge avancé n’est donc pas une excuse valable pour ne pas apprendre. Il en est de même pour les enfants de bas âge. Notez que l’apprentissage peut débuter à partir de 2 ans. C’est un âge où la curiosité est beaucoup plus aiguisée chez l’enfant et l’éveil musical pourra facilement se faire. L’enfant pourra alors développer une passion pour cet art. L’enfant pourra aussi développer une préférence particulière pour un instrument, un choix que les parents se doivent de respecter.

Plus l’âge avance, plus l’acquisition peut devenir difficile mais jamais impossible. Comme l’appétit vient en mangeant, l’acquisition se fait petit à petit, sans forcer mais avec une application régulière et une persévérance. Dans la mesure où l’apprentissage se base seulement sur une façon de se décontracter, de passer le temps ou de jouer pour le plaisir, vous pouvez avancer à votre rythme, sans forcer. Dans le cas contraire, apprendre la musique prend plus de temps, plus de discipline, parfois même des concessions. Un véritable apprentissage demande de suivre un parcours à la fois long et difficile. Il est utopique de croire en l’existence de miracle, qui promet un apprentissage facile et rapide. L’itinéraire doit commencer par l’apprentissage du solfège, un apprentissage indispensable qui requiert l’expertise d’un professeur de musique. C’est seulement après que l’apprenant choisisse l’instrument qu’il pourrait pratiquer. S’il est possible d’en pratiquer plusieurs, la maîtrise d’un seul peut amener l’apprenant à gravir des échelons en se focalisant sur un instrument unique.

Quelle guitare classique choisir pour débuter ?

L’apprentissage de la guitare est souvent perçu comme très fastidieux. Pourtant, la plupart des professionnels de la guitare ont démarré l’apprentissage de cet instrument en autodidacte. Mais, pour y arriver, il faudra choisir la guitare qui correspond à votre niveau, vos besoins et votre morphologie. Découvrez ici des conseils pratiques pour réussir ce choix.

Choisir une guitare classique adaptée à son niveau et ses besoins

L’achat de la première guitare requiert beaucoup de précautions, surtout si vous êtes débutant en la matière. C’est un instrument auquel vous allez rapidement vous attacher, autant le choisir convenablement. Bien entendu, au cours de votre apprentissage, vous allez découvrir les différents styles de musique et vous spécialiser par la suite. Mais, avant d’en arriver là, il faudra une longue période de répétition des gammes. Vous n’avez donc pas besoin d’une Fender, d’une Ibanez ou d’une Gibson pour démarrer votre apprentissage. Bien qu’il soit intéressant de commencer directement votre apprentissage par l’instrument qui répond à vos ambitions musicales, cela ne devrait pas être votre première préoccupation. Dès vos premiers pas dans le monde de la musique, gardez toujours à l’esprit que le jeu du musicien ne dépend pas de l’instrument qu’il utilise.
En effet, il ne vous servira à rien de débourser environ 2000 € pour acquérir une guitare si vous n’arrivez même pas encore à faire un ré majeur, une tierce mineure ou un accord septième. Pour les débutants, il est donc conseillé d’opter pour des guitares classiques à bas prix. Les comparatifs de meilleures guitares classiques sont à découvrir ici.
Une fois que vous êtes persuadé de la guitare qui correspond à votre niveau, commencez vos recherches en tenant compte de votre morphologie et de votre âge.

Quelle guitare classique pour quel âge ?

Les guitares classiques existent sous plusieurs tailles avec des formes différentes. Ainsi, la guitare qu’utilisera un adulte sera différente de celle à offrir à un enfant. Il existe une taille de guitare spécialement conçue pour enfant, et cela en fonction de la taille de ce dernier. La manche et la caisse de résonance de cette guitare sont réduites en fonction des membres de l’enfant. Au niveau de la taille des guitares, la différence se ressent au niveau de la distance entre le chevalet et le sillet de tête appelé diapason. On distingue en général 4 standards de guitares classiques : 4/4, 7/8, 3/4 et 1/2.
Les guitares les plus utilisées sont les 4/4, car ce diapason est très pratique pour les adultes. Les autres diapasons correspondent à différents groupes d’âge. Pour les enfants de 11 et 12 ans, les guitares classiques 7/8 sont recommandées. Par contre, si l’âge de l’enfant est compris entre 8 et 10 ans, les guitares les plus adaptées sont les 3/4. En dessous de 8 ans, vous pouvez opter pour les guitares classiques 1/2, qui sont les plus petites de tous.
Le respect de ces critères ne vous garantit pas la meilleure guitare au monde, mais vous permettra néanmoins d’acquérir celle qui vous convient.

piano

Où apprendre à jouer du piano ?

Le piano est un instrument de musique des plus appréciés que ce soit par les adultes ou les enfants. Cependant, apprendre à jouer du piano n’est pas une tâche facile. Il existe de multiples aptitudes que l’apprenti doit acquérir, sans oublier les points de blocage à franchir. Pour ce faire, vous aurez besoin du temps, beaucoup de pratique et surtout d’un bon professeur pour commencer. Ce présent article est fait dans le but de vous guider à mener à bien votre projet d’apprentissage du piano. Les informations suivantes vont vous faciliter le choix de l’apprentissage adapté à votre niveau et votre situation.

Quel serait le lieu d’apprentissage de piano propice pour un enfant ?

Il est prouvé que les enfants possèdent une capacité de compréhension très développée par rapport aux adultes. Toutefois, ils ont besoin d’un professeur qualifié, disposant de la fibre pédagogique nécessaire pour transmettre ses connaissances. Le plus pratique serait de les inscrire dans une école de musique le plus près de chez vous. En effet, apprendre à jouer du piano nécessite une grande volonté. De ce fait, si vous inscrivez votre enfant dans une école de musique qui se trouve à l’autre bout de la ville, il va se décourager au bout de quelques séances.

Un cours particulier serait également préférable si vous en avez les moyens. Ainsi, il pourra progresser très vite, pour devenir un expert en la matière. Cependant, il est conseillé de faire en sorte que la durée d’une séance soit raisonnable afin qu’ils puissent avoir le temps de voir leurs amis régulièrement, et de continuer l’école correctement.

Dans le cas où votre enfant possèderait déjà la connaissance de base qui lui permet de jouer quelques morceaux, il est possible de poursuivre son apprentissage en ligne en consultant un spécialiste.

Où se déroule l’apprentissage du piano pour adulte ?

Vous souhaitez apprendre à jouer du piano pour un adulte, il n’est pas très convenable d’apprendre au sein d’une école de musique pour de nombreuses raisons. Vous n’aurez pas le temps compte tenu de votre travail et votre planning très chargés. De plus, vous risquerez d’éprouver un complexe à cause de votre âge, ce qui empêchera votre évolution. Donc, il est préférable de faire appel à un professeur à domicile.

En effet, un cours particulier est efficace pour votre progression si vous êtes débutant, mais cela dépend de votre budget. Toutefois, vous pouvez envisager de progresser tout seul dès que vous sauriez jouer avec les deux mains. En effet, durant votre apprentissage, vous serez confrontés à un blocage, qui se résume par la main gauche maladroite. Les bases du piano avec ou sans solfège sont faciles à retenir, grâce à beaucoup de pratique. De nos jours, vous pouvez trouver tout ce que vous voulez sur internet. Si vous vous sentez autodidacte, vous avancerez très rapidement dans votre apprentissage grâce à de multiples vidéos en ligne.

 

Quel piano pour apprendre le piano ?

 

Il existe deux grands types de piano pour débuter, soit le piano droit acoustique soit le piano numérique. C’est ce dernier qu’il convient d’acheter pour débuter. Pourquoi ? Car il est peu encombrant, peut se jouer au casque pour ne pas déranger son entourage et le voisinage mais aussi car il possède de nombreuses fonctionnalités qui permettent de s’amuser grâce aux nombreux sons, fonctions d’enregistrement et aide à l’apprentissage.

Bien que le son d’un piano acoustique et son toucher soient irremplaçable, les avantages d’un piano numérique font de lui le meilleur choix. Beacoup de pianistes professionnels utilisent d’ailleurs ce type de piano.
Voici une sélection des pianos numériques pour débutant : le Roland FP30, le Korg LP380, les Yamaha YDP163 et CLP625, le Kawai CN27.
Si vous souhaitez en savoir plus sur les meilleurs pianos numériques : https://www.quel-piano.com/meilleurs-pianos-numeriques-2019/

Les différents types d’accordeur pour guitare

Pendant très longtemps, les musiciens ont dû user de leurs oreilles et de leurs compétences musicales pour accorder leurs instruments. Grâce à la technologie, les accordeurs se sont rapidement démocratisés ces dix dernières années. Il existe même des accordeurs spécifiques pour chaque instrument.

Un accordeur de guitare est un accessoire connu de tous les guitaristes, qu’ils soient débutants ou professionnels. Si au départ, seuls les musiciens professionnels y avaient accès, ce temps est largement révolu et sa généralisation et son prix attractif en font un allié des débutants. Les amateurs sont donc de plus en plus nombreux à s’y intéresser. Voici une succincte présentation des différents modèles existants. Pour en savoir plus sur les accordeurs de guitare : https://www.monaccordeur.com/accordeur-instrument/accordeur-guitare/

L’accordeur de guitare intégré

Le premier avantage d’un accordeur assemblé directement dans la guitare est qu’il vous dispense des déplacements fastidieux avec la guitare et l’accordeur, les deux faisant corps.

Le second avantage est économique, puisque le prix d’une guitare avec accordeur intégré est généralement plus intéressant que lorsque vous achetez les deux éléments séparément.

Le dernier avantage, et pas des moindres, est la justesse de la fonctionnalité d’un accordeur de guitare intégré. Cela tient au fait qu’il est capable de capter plus aisément et plus rapidement les sons provenant de l’instrument.

Les accordeurs de guitare à accordage facile

Tout comme le modèle intégré, ce type d’accordeur guitare présente un avantage de taille : celui d’un mode de connectivité facile. Trois modèles respectent ce critère à savoir l’accordeur avec Jack, l’accordeur à pinces et l’accordeur avec micro intégré.

Avec le premier modèle, c’est via une entrée Jack, à l’aide d’un câble qu’il est possible de relier la guitare à l’accordeur. Les notes sont donc directement transmises via le câble, réduisant ainsi les risques de perturbation des bruits parasites. Ce modèle est exclusivement réservé aux guitares électro-acoustiques et électriques.

Avec le deuxième modèle, la connexion avec la guitare se fait directement par contact. Il faut, pour cela, pincer l’accordeur sur la tête de la guitare pour lui permettre de capter les vibrations du son. Cela facilite aussi beaucoup l’usage dans des endroits bruyants.

L’accordeur avec micro intégré est un modèle dont la singularité est le micro intégré. Celui-ci permet de capter les sons de façon plus précise, même si son utilisation est conditionnée à un environnement calme et silencieux. Il est cependant plus polyvalent car peut être utilisé par tous les instruments.

Les accordeurs de guitare professionnels

Cette catégorie d’accordeurs est essentiellement réservée à l’usage professionnel, notamment en studio d’enregistrement ou en live. Il y en a 3 modèles à savoir :

  • L’accordeur chromatique, encore appelé accordeur polyphonique. Sa singularité est de détecter aussi bien les tons et les demi-tons avec une précision chirurgicale. Il est capable d’indiquer la justesse de chacune des cordes de la guitare. On le trouve également pour les débutants.
  • L’accordeur à pédalier qui intègre une pédale d’accordage relié à un écran LED est capable de détecter les sons avec précision et surtout il permet de s’accorder en silence (coupe le son de la guitare pendant l’accordage) et dans le noir. Cela en fait l’accordeur le plus utilisé par les pros en live. Plus encombrant, il est également onéreux.
  • L’accordeur à Rack, encore appelé accordeur à fixation, brille par sa polyvalence. Il peut être connecté à des instruments de musique grâce aux multiples ports d’entrée et de sortie dont il dispose.

L’accordeur virtuel

Il est présenté sous forme de logiciel installable sur ordinateur ou sous forme d’application mobile. Cette dernière forme n’est pas recommandée aux professionnels, car généralement de piètre qualité. En ce qui concerne les logiciels, ce sont de très bonnes alternatives pour les stations audionumériques.

Les meilleures techniques pour apprendre la musique

La musique est un art délicat qui donne entière satisfaction lorsqu’on la pratique. Elle nécessite des heures d’entrainement et demande beaucoup de rigueur pour arriver à un bon niveau.

Que vous soyez débutant ou confirmé, cet art parfois difficile demande beaucoup de patience et d’étude. Mais avec le temps, il est aisé de progresser et d’atteindre le niveau souhaité si la volonté est réellement présente.

Voici quelques conseils pour atteindre son meilleur niveau et devenir le musicien que vous avez toujours rêvé d’être !

Ecouter de la musique, encore et encore

Progresser en musique nécessite d’avoir une bonne oreille. Distinguer les instruments, les notes et les accords demandent une écoute attentive et studieuse.

Que ce soit sur votre ordinateur, votre chaîne-hifi, votre lecture MP3 ou même sur un tourne-disque, mettez vos musiques préférées et soyez curieux ! Explorez d’autres styles et découvrez de nouveaux artistes. En plus de parfaire votre culture musicale, vous développerez votre ouï et serez ainsi plus sensible aux différentes notes qui composent les musiques que vous écoutez.

Indispensable à tous les musiciens qui souhaitent progresser !

Apprendre le solfège

Même si beaucoup de musiciens connus n’ont jamais appris le solfège, la lecture des notes est pourtant bien utile pour déchiffrer les nombreuses partitions que vous rencontrerez sur le long parcours de votre apprentissage.

Pour apprendre, vous pouvez vous servir d’Internet et ses nombreuses vidéos et tutos gratuits. Vous pouvez également vous procurer des livres chez votre libraire mais la meilleure méthode sera sans aucun doute de vous inscrire dans une école dédiée à son apprentissage parfois fastidieux.

Vous serez ainsi entouré et motivé pour apprendre rapidement toutes les bases du solfège.

S’inscrire dans une école de musique

Il s’agit ici de la meilleure des méthodes pour progresser en musique. L’école de musique vous apprendra les bases de votre instrument, vous prodiguera ses meilleurs conseils et s’adaptera à votre personnalité et vos envies.

Idéal pour apprendre en toute confiance avec des passionnés comme vous, l’école de musique vous fera progresser rapidement dans un environnement dédié à la pratique de votre instrument.

Sans fausse note, votre parcours d’apprentissage sera ainsi posé et vous vous émerveillerez de vos rapides progrès !

Bien choisir son école de musique

S’inscrire dans une école de musique est une bonne initiative mais encore faut-il bien la choisir. Si certains se contentent de choisir celle de leur quartier, il est parfois judicieux d’aller un peu plus loin quitte à devoir prendre sa voiture ou les transports en commun.

En effet, certaines écoles ont une meilleure réputation que d’autres. Cela peut être dû aux professeurs plus expérimentés et pédagogues, aux réussites des concours, à la qualité de ses salles de cours, au plus large choix d’instruments proposés en apprentissage…

Enfin, il est judicieux de se renseigner sur les horaires compatibles ou non avec votre rythme de vie, le calendrier des cours, la disponibilité des professeurs, le prix des cours et l’ambiance.

Il est nécessaire de faire un comparatif des écoles de musique avant de se lancer sur la première venue. Cela en va de la qualité et de la rapidité de votre apprentissage.

Jouer constamment

Que vous soyez inscrit dans une école de musique ou non, si vous souhaitez progresser ne serait-ce qu’un peu, il faut pratiquer le plus souvent possible.

Bien sûr, avec des cours de musique vous serez plus performant mais la pratique constante de votre instrument vous permettra de ne pas perdre la main et de tester de nouveaux accords sur votre instrument.

Si vous êtes inscrit en école de musique, profitez-en pour rencontrer d’autres passionnés comme vous et proposez de monter un groupe ! En plus d’être stimulant, cela vous permettra de mettre en pratique dans une joyeuse ambiance ce que vous avez appris récemment.

Pour progresser en musique, la pratique constante reste la meilleure méthode. Vous inscrire dans une bonne école vous permettra d’avoir un parcours d’apprentissage adapté à vos besoins et de progresser ainsi plus efficacement.

7 conseils pour une pratique musicale efficace

La qualité de votre pratique est beaucoup plus importante que la quantité. Il y a un diction « la pratique rend parfait« , il n’est vrai que si la pratique elle-même est parfaite. Voici 7 conseils pour vous aider à rendre votre pratique plus efficace et efficiente.

Exercez-vous lentement

La mémoire musculaire de notre corps nous permet de réaliser physiquement des schémas de mouvement sans y avoir conscience. Parmi les exemples de mémoire musculaire, il y a la marche, la bicyclette, la dactylographie et, bien sûr, le jeu d’un instrument de musique.

Pour développer cette mémoire, les muscles ont besoin d’un entraînement sous la forme d’un exercice conscient répété du cerveau. D’abord, le cerveau doit apprendre la manière de faire. Ensuite, le cerveau doit « enseigner » le modèle aux muscles.

Le cerveau doit d’abord contrôler tous les mouvements des muscles. Plus les mouvements sont contrôlés et précis, plus la mémoire musculaire se développe rapidement.

La pratique lente permet aussi à l’esprit d’enseigner aux « muscles antagonistes » à se détendre. Les muscles antagonistes sont ceux qui se déplacent dans des directions opposées. En détendant les muscles antagonistes, vous pouvez réduire la tension et faciliter une performance plus rapide et plus facile et éviter les blessures potentielles.

Pratique du rythme

Les rythmes musicaux peuvent correspondre à n’importe quoi, de quelques notes à une œuvre entière. Lors de la pratique, il est important de pratiquer des rythmes de quelques notes. La pratique des rythmes limite la quantité d’informations que les muscles doivent apprendre en une seule fois. Il facilite également la concentration de l’esprit.

Lier la fin d’un rythme avec le début d’un autre

Pour aider les muscles à développer leur sens musical tout au long du morceau de musique, la dernière note dans un rythme devrait être la premiere note du rythme suivant.

Pratiquez chaque rythme en boucle

Une fois que les muscles ont appris un modèle, ils seront capables de l’exécuter sans contrôle conscient. Initiez le modèle par une commande consciente et laissez les muscles l’exécuter en rafale.

Attention aux erreurs

Pour chaque répétition nécessaire à l’apprentissage d’un modèle de mouvement, il faut 7 fois le nombre de répétitions pour changer le modèle. Si, au cours de votre pratique, vous commettez une erreur, arrêtez. Passez en revue dans votre esprit le modèle. Et réduisez encore plus la vitesse de vos mouvements.

Pause entre les répétitions

Lorsqu’il s’agit d’activités répétitives, l’esprit est mieux à même de se concentrer lorsque les répétitions sont interrompues par de courtes pauses. Après deux ou trois répétitions, faites une pause d’environ 30 secondes pour regagner la mise au point.

Ne pas « trop pratiquer »

Des experts ont constaté que la capacité d’apprentissage de l’esprit diminue considérablement après une concentration intense et prolongée. La recherche montre qu’étudier trop longtemps c’est à dire plus de quatre heures peut épuiser le cerveau lors de l’apprentissage. Par conséquent, il est préférable de faire des pauses fréquentes (une pause de 5 minutes toutes les 20-25 minutes environ) et de ne pas pratiquer plus de 4 heures consécutives.

En appliquant ces techniques, vous pouvez améliorer considérablement la qualité de votre pratique. Vous serez en mesure d’utiliser votre temps plus efficacement et d’accroître la productivité de votre pratique.

Musique de mariage : Les conseils pour la réservation de musiciens

Quelques conseil pour bien organiser la musique et les musiciens lors de votre mariage.

 

De combien de musiciens ai-je besoin ?

La taille de la fête de mariage est la clé de cette question.

Un duo avec une amplification légère peut divertir un groupe de 60 à 70 personnes. Un trio peut accueillir jusqu’à 100 personnes. Au fur et à mesure que la taille du groupe augmente, la taille du lieu augmente également. Il faut qu’il se passe plus de choses sur scène pour attirer l’attention et animer la fête. Une bande de quatre ou cinq personnes avec un petit système de sonorisation est généralement requise si le mariage réuni plus de 100 personnes.

Pour divertir 200 personnes et au-delà, la qualité du système de sonorisation et de l’éclairage de la scène et de la piste de danse devient cruciale pour le succès de l’événement. Il faut un numéro capable de présenter un « spectacle scénique » qui non seulement sonne bien, mais qui est aussi beau, en termes de mouvement et de costume, avec la capacité d’attirer l’attention de la foule…. même ceux qui se trouvent à l’arrière d’une grande salle !

Comment trouver un bon groupe ?

La qualité de la musique est le facteur le plus important. Écoutez les enregistrements du groupe en direct, là où ils sont disponibles.

Le répertoire musical et l’expérience viennent ensuite. Depuis combien de temps le groupe est-il impliqué dans les animations et les mariages ? Pouvez-vous parler à un autre client ayant eu affaire au groupe, un couple qui a employé le groupe pour leur mariage et qui, espérons-le, a été ravi du résultat.

Si cela est possible, regardez le groupe se produire en direct. Les prestations publiques par des groupes de qualité se produiront plus souvent dans des bars et des animations publiques.

 

Comment le spectacle sera-t-il organisé ?

Vous pouvez vous attendre à des séries d’environ 45 minutes ou d’une heure de musique en direct sur une période de quatre heures. Si les musiciens sont équipés d’un système de sonorisation, ils seront probablement équipés d’un lecteur de CD et pourront jouer des CD d’un style de musique similaire pendant une demi-heure avant le premier set et pendant les pauses entre les sets, donnant une musique de fond de qualité professionnelle lorsque le groupe est en dehors de la scène.

SI vous voulez être tranquil, organisez votre musique par l’intermédiaire d’une agence réputée. Assurez-vous de recevoir, de signer et de retourner un contrat stipulant la date d’arrivée de l’orchestre, la date de la représentation et le montant convenu de la rémunération. Vous devez vous attendre à pouvoir parler au chef d’orchestre quelques semaines avant le mariage pour discuter de vos préférences et de vos goûts en matière musicale.
La première danse est quelque chose de vraiment spécial. Si vous approchez le groupe bien avant l’événement, les musiciens seront généralement prêts à apprendre la chanson que vous avez choisie, si elle ne fait pas déjà partie de leur répertoire.

Combien dois-je m’attendre à payer ?

La fiabilité et la qualité de la performance sont les deux éléments essentiels pour une musique réussie lors d’un mariage. Si vous optez pour des produits bon marché, vous risquez de sacrifier l’un ou l’autre ou les deux !

En France, un musicien professionnel s’attend à emporter 100€ pour un engagement. À cela s’ajoutent les frais d’équipement et de déplacement, ainsi que les frais de publicité, de publicité et d’agence.

En règle générale, vous pouvez vous attendre à payer 350€ pour un spectacle solo, 500€ pour un duo, 800€  pour un trio. Un groupe de quatre musiciens commence à environ 1000€. En fonction de la polyvalence des musiciens, de la qualité de l’équipement (système de sonorisation, rétro-éclairage de la scène et de la piste de danse), le prix passe à 1200€ à 1800€. Les groupes plus grands coûtent proportionnellement plus cher.

Analyse de Neil Young : Prairie wind

Il est vraiment difficile de trouver un musicien avec une discographie aussi grande et admirée que Neil Young. Depuis la fin des années 60, le Canadien a sorti plus de 40 albums, dont plusieurs sont aussi mémorables que le Harvest, the Rust never sleeps ou the Freedom. Même à 60 ans, Young est toujours à son meilleur niveau, comme il le montre dans son dernier album : Prairie wind.

Après une série d’albums douteux qui culminent avec l’album critiqué Are you passionate ? en 2002, beaucoup de critiques et de fans de musique pensaient que Neil Young était fini. Mais Young a surpris tout le monde en réalisant l’épopée Greendale (2003), musicalement intéressante et conceptuellement admirable : en imitant le meilleur Steinbeck, Young invente son univers dans sa Californie et, en se concentrant dans la famille Green, donne libre cours à des valeurs telles que la liberté, la paix et l’écologie qu’il défend depuis la fin les années soixante. Pour compléter ce renouveau particulier, Young a ravi ses fans en 2005 avec l’excellent Prairie wind, sans doute son meilleur album des 10 dernières années.

Avec la sortie du Prairie Wind, Young revient à son style folk-rock personnel qu’il a inventé au début des années 70, avec deux albums de grande qualité qui l’ont catapulté à la célébrité : Après gold rush (1970), tous les éléments principaux qui caractérisent l’univers particulier des jeunes se sont déjà réalisés : des vers complexes et suggestifs avec un accord intelligent de surréalisme, un accompagnement musical brillant, et la voix nasale de Young. Néanmoins, le succès de cet album n’est pas comparable à celui de Harvest (1971), sorti l’année suivante, et considéré par beaucoup comme son chef-d’œuvre. Cet album comprend le merveilleux single Heart of Gold -considéré par beaucoup de fans comme la plus grande chanson de Young – qui a donné à Young son premier nº 1 aux Etats-Unis. Prairie Wind est l’album le plus important de Young depuis la sortie de Harvest Moon en 1992.

L’album commence avec The painter, une belle chanson classique et mélodique de Young sur une femme peintre, et se poursuit avec No wonder, où les valeurs de Young sont évidentes dans les paroles comme « Somewhere a senator sits in a leather chair / Behind a big wooden desk / The caribou we killed mean nothing to him / He took his money just like all the rest » La troisième chanson, Falling off the face of the earth, continue cette série acoustique.

Dans Far from Home, le piano de Young commence à briller, et c’est encore plus évident dans It’s a dream, sans doute la plus belle chanson de l’album. Avec ses paroles réfléchissantes et le beau son du piano, la chanson fera en sorte que les fans de Young se souviendront de chansons comme Heart of gold ou le Western hero plus récent. C’est la chanson dans laquelle vous vous retrouverez probablement le plus à la fin de l’album… il s’agit d’un rêve, seulement un rêve….

Dans la chanson Prairie wind, le piano disparaît et la guitare acoustique prend le relais. C’est une belle chanson qui vous rappellera From Hank to Hendrix, l’une des chansons les plus aimées de Young. La vieille guitare est l’une des chansons les plus personnelles de tout l’album, avec la voix nasale de Young accompagnée d’un chœur très entraînant.

Dans He was the King Young chante sur le Roi, vous savez, Elvis Presley bien sur, comme il l’a fait dans l’une des chansons les plus célèbres de l’histoire, Hey, hey, my, my (….le Roi est parti mais ne sera pas oublié…) bien que le style soit très différent, l’album se termine avec When God mades me, une chanson intime et qui fait réfléchir sur la vie, Dieu et la foie.

20 Emplois dans le domaine de la musique

Vous avez peut-être entendu dire qu’il est très difficile de trouver un emploi dans le domaine de la musique, surtout si vous êtes jeune et que vous débutez. Bien qu’il soit vrai que peu de musiciens en herbe atteignent le haut du sommet, il y a des dizaines de milliers d’emplois disponibles dans le domaine de la musique. Certains sont interprètes, d’autres professeurs et d’autres encore sont aident les musiciens et interprètes. Les musiciens et les autres membres de l’industrie de la musique peuvent travailler dans les domaines de la production, de l’interprétation, de la promotion et de l’éducation. Voici 20 emplois dans le domaine de la musique que la plupart des gens ne connaissent pas. Beaucoup d’entre eux sont des emplois que les gens connaissent – mais qui ne sont pas pris en considération lorsqu’on pense à des emplois dans la musique. Prêt pour la liste ? C’est parti :

Emplois avec les auteurs-compositeurs

Un auteur-compositeur travaille pour une maison de disques ou de médias et écrit des chansons pour les artistes signées par le label en question.

Un auteur-compositeur indépendant écrit et commercialise ses propres chansons. Vos heures sont les vôtres, mais vous devrez travailler beaucoup pour faire connaitre vos chansons.

Un parolier n’écrit que les paroles des chansons. Il peut faire équipe avec un compositeur ou avec une compagnie de production musicale.

Les auteurs de jingles sonores va écrire pour les publicités accrocheuses que vous entendez à la télévision et à la radio – vous savez, celles qui restent coincées dans votre tête pendant des jours. Un auteur de jingle peut ne pas devenir célèbre – mais il trouvera toujours du travail.

 

Emplois en musique dans l’édition

Un éditeur de musique trouve et acquiert les droits d’auteur sur les chansons dans l’intention de vendre la licence ou de les vendre à des maisons de disques et à des musiciens.

Un administrateur des droits d’auteur et des licences gère les licences et les droits d’auteur pour une société d’édition musicale.

Un rédacteur musical travaille en étroite collaboration avec le compositeur pour documenter, organiser et chronométrer les boucles pour les musiciens d’un projet.

 

Emplois en musique dans le secteur du disque

Un coordinateur A&R (artiste et répertoire) trouve des talents à signer pour une maison de disques. Son patron est l’administrateur d’A&R, un poste qui comprend la planification des budgets pour les artistes, la gestion des représentants et des coordonnateurs et le suivi des dépenses de production.

Les emplois dans les relations publiques dans le domaine de la musique vont de l’assistante à la directrice des relations publiques. Le service des relations publiques est chargé de faire connaître les noms des artistes à une maison de disques pour le grand public. La rémunération varie de zéro pour un stagiaire à quatre chiffres pour les directeurs des relations publiques très expérimentés.

Un représentant des relations avec les artistes est responsable du maintien de la communication et de la coopération entre la maison de disques et un artiste ou un groupe.

Un employé de promotion travaille avec les stations de radio et les stations vidéo pour faire passer à l’antenne les disques d’un label.

Les représentants de maison de disque sont des agents promotionnels – mais ils travaillent directement pour promouvoir les produits d’une maison de disques auprès des étudiants et des détaillants de musique. Travailler comme représentant est une excellente façon de mettre le pied dans la porte dans le monde de la musique.

 

Emplois dans le domaine de l’enseignement

Un professeur de musique enseigne la musique à des classes de la maternelle à l’université, les tâches variant en fonction de l’âge des classes. Aux niveaux élémentaire, l’enseignant de musique peut se concentrer sur l’enseignement de l’appréciation et de la théorie de la musique, avec un certain enseignement des instruments et de la théorie de l’interprétation. Au secondaire, les tâches sont plus variées et peuvent comprendre la direction de spectacles d’élèves et l’organisation et la direction d’un orchestre ou d’une chorale.

Un directeur musical ou superviseur est responsable de la gestion et de l’établissement et des instructeurs de musique embauchés par l’organisme scolaire.

Le travail à plein temps pour diriger un chœur professionnel et également possible pour le compte d’une église ou d’une ville.